Diario de una ninfómana



Diario de una ninfómana es una película basada en el libro de la escritora Valérie Tasso, por lo que podemos anticipar que no se trata de una película normal, sinó de un film visto desde el punto de vista de la sexualidad femenina. Pero ¿puede un director transmitir esa mirada?

El relato nos cuenta las vivencias de una mujer que, desde que descubrió el sexo, su vida gira entorno a ello. Para ella es su mejor forma de expresarse y prioriza el sexo a la búsqueda del amor y la estabilidad, como ella dice: “prefiero que me den un buen polvo,y yo ya le regalaré las flores a él”. Esta mirada es bastante rompedora, podríamos decir que la película muestra una forma de performatividad, puesto que rompe el orden y la ley patriarcal al llevar ella las las riendas del sexo y no se muestra como ser pasivo y protegido del hombre. Por contra, si la actitud de la protagonista se caracteriza de dominante, en las escenas de sexo, hay una tendencia a exhibirla un tanto sumisa, puesto que predominan los planos donde ella esta debajo o se deja llevar por el hombre. Sólo hay dos escenas en las que ella lleve realmente las riendas: en su primera vez y con una relación en la calle con un desconocido.

La puesta en escena está muy cuidada y a la vez nos muestra una serie de analogías. Es así como la casa de la protagonista, Val, sufre una serie de cambios a lo largo de su camino personal. Empieza con una casa que desprende sexo y pasión por todos los lados: colores vivos, rojos, lilas, sábanas de seda y satén, toda una bomba explosiva que acompaña a nuestro personaje en sus momentos más íntimos. Cuando encuentra el amor y vive en el regazo de su amado, el mobiliario sufre un cambio, diríamos una “masculinización” con colores de gradación más marronosa y beige. En su profunda depresión la casa se tiñe de oscuridad, los muebles estan tirados y todo parece realmente tétrico. Por último, al encontrar su autoestima, encuentra la serenidad, las ventanas se abren, la luz entra, todo parece vivo y lleno de energía. Realmente un muy buen trabajo con la decoración. También hay que destacar el juego de espejos con los que nos deleitan en muchos de los planos que dan dinamismo y a la vez le dan un toque de misticismo.

Un pequeño guiño a Eva, la eva del pecado y del sexo, son las manzanas que se come Val en los momentos en que tiene la líbido bien subida. Podríamos decir que si Eva tuviera una forma, seria la de nuestra Val, “pecando” cada vez que se come una manzana u otras cosas.

La película, a parte de ser el punto de vista de una ninfómana, es un manifiesto a la libertad sexual de la mujer. Ella es la protagonista, la narradora, la dueña de sus actos y errores, lleva la iniciativa y aprende a conocerse a sí misma.

Realmente un buen trabajo para un director masculino que ha sabido plasmar notablemente la experiencia de ser mujer y ser sexual, pero no hay que esconder que tuvo la ayuda de la guionista Cuca Canals.

por: Nur Ortega

Sexo, drogas y... RocknRolla



La gente pregunta ¿Qué es RocknRolla? Y yo les digo que no tiene nada que ver con thrillers, mafias ni películas convencionales, no no. Es mucho más que eso amigo mío. A todos nos gusta una buena película: a unos lo narrativo, a otros la estética, a otros lo cómico, el ritmo o el guión. Pero RocknRolla es diferente... ¿Por qué? Porque una película como RocknRolla tiene el pack completo.

Y es que la ultima película de Guy Ritchie supone un punto de inflexión en su carrera, dando una vuelta de 180 grados para volver a su exitoso origen. El estilo que le dio fama está empaquetado en esta cinta llena de autohomenajes y referencias a sus dos primeros trabajos, ambos impactaron de lleno en las películas de culto. Durante sus dos horas el director se explaya usando y exprimiendo aquellas características que hacían de Lock & Stock y de Snatch dos películas gamberras, irreverentes y rompedoras. Y es por ello que su principal defecto es una cierta falta de frescura, de innovación; en algunas ocasiones supone un deja vú.

Sin embargo consigue suplir esta carencia a través de un guión muy trabajado que consigue un abanico de situaciones y personajes muy variado y definido. Todos ellos son caricaturas de algún tópico al que se le da una nueva vuelta de tuerca, desde el capo mafioso que aquí se transforma en una rata cobarde hasta el rockero que vive en un mundo de decadencia y aquí reivindica su cultura y muestra ambigüedad. Todos ellos definidos desde su estereotipo con apenas un par de lineas de diálogo –no es que se puedan permitir más tiempo dada la cantidad de historias paralelas y personajes–, tras las que se destruye ese modelo para conseguir que todo resulte más cercano e imprevisible, más humano.

Para llevar adelante los roles el plantel de actores está muy bien seleccionado. Tom Wilkinson interpreta con un cinismo exagerado al capo de una mafia inmobiliaria; Gerard Butler sigue mostrando sus dotes con el papel de mayor protagonismo, no es que cree un personaje tridimensional pero es convincente, y el reto del reparto es excelente dentro de las posibilidades que les brindaban sus roles. Resulta encomiable la tarea de todos ellos, excepto Thandie Newton (la única mujer del reparto) que consigue una frívola femme fatale que no va más allá de lo ya visto en cualquier otra producción. Puede ser un pequeño error de guión ya que su papel en el desarrollo de la historia es importante.

El mayor logro de Ritchie esta vez ha sido el ritmo que ha conseguido imprimir en la película. Mientras las dos nombradas joyas de su filmografía cuentan con un arranque sin fuelle en el que se toma mucho tiempo para definir todo aquello que luego se transformará en el hilo argumental basado en el accidentalismo extremo. El montaje está muy bien trabajado y hace uso de toda clase de recursos para conseguir ese ritmo endiablado desde el mismo inicio de la película, en el que hay por montaje y capacidad narrativa una verdadera declaración de intenciones, parecen explicarte que es un rocknrolla, en realidad te cuentan que va a ser RocknRolla. Además después de unos créditos muy dinámicos te ofrece en solo diez minutos los principales ingredientes que harán de esta una receta explosiva. Su único fallo es que la densidad provocada por tantas situaciones y personajes se cobran parte de ese intencionado ritmo y lo merman en la ultima parte, cuando el clímax debería conseguir aumentarlo, aunque los últimos minutos de la película lo suplen; así como el sorprendente final.

En cuanto a estética esta película trabaja con unos planos muy cuidados, cada uno de ellos hace gala de la fantástica fotografía que ilumina con una mezcla entre el claroscuro y una suave naturalidad los rostros algo duros y las decrépitas localizaciones. La cámara se aprovecha de ello, inquieta y curiosa se fija en todos los puntos posibles desde los que rodar con solvencia y además resuelve con eficiencia cualquier falta de ritmo interno. Si la acción no es dinámica no importa ya que el punto de vista siempre lo es. Si careciera de ello el ritmo de cortes del montaje aprovecha la banda sonora para desmarcarse.

Como comentario final, alabar la naturaleza a medio camino entre el CAMP y el cine negro que rodea la cinta que se acompaña por un pequeño inserto de la homosexualidad. Es agradable y fresco encontrar una película que solo use el tópico como gag y que se salté todo lo demás para meter al personaje gay en medio de un mundo usualmente impensable dada la imagen que da el cine del colectivo. Puede que el tiempo con Madonna a pesar de ser nulamente fructífero puede tener algo positivo.

por: Joaquim Navarro

Les velles estrelles encara brillen



Fa poc ha aparegut a les sales una estrella que molts creien desapareguda. M'estic referint a l'actor Mickey Rourke, i a la seva aparició a la pel·lícula The Wrestler, on interpreta un lluitador brillant i reconegut en altres temps, però que acaba enfonsat en la misèria i convertit en un record del que havia estat. Molta gent troba paral·lelismes entre la història que narra la pel·lícula i la propia vida de l'actor. I és que a la història del cinema hi ha molts actors i actrius que han desaparegut darrera la seva estela de glòria. El que és més estrany, i com ha passat en aquest cas, es que tornin a aparèixer amb força a les pantalles (ja sigui la gran pantalla o la de la caixa tonta). Així, i tal com ha fet l'actor de Nueve semanas y media, William Shatner va reaparèixer fa un temps a les nostres televisions. Aquest actor, més conegut com el Capità Kirk de la nau interestelar Enterprise, s'ha reencarnat en el món televisiu en un advocat a Boston.

A Boston Legal, Shatner interpreta a un important advocat que, curiosament, també s'està convertint en el vestigi del que una vegada havia estat. Aquesta ficció ens mostra la vida diària (que no monòtona) d'un dels bufets d'advocats més importants de Boston, on el personatge de Shatner n'és soci fundador. L'acció es centra en certs casos del bufet i, sobretot, en dos personatges: Denny Crane, l'advocat interpretat per Shatner; i Alan Shore, nou advocat al bufet que utilitza mètodes poc comuns i que manté una gran i alhora curiosa amistat amb el primer. El carisma d'aquests dos personatges resideix en la particularitat dels seus caràcters i en el seu comportament als jutjats. És en aquest escenari on es produirà gran part de l'acció, i on es mostra amb més claredat el potencial dels guions.

Els temes tractats tampoc acostumen a ser comuns (o si ho són sempre tenen alguna característica molt particular). Això també ho aprofiten els guionistes per explotar i tractar temes actuals i polèmics, i per ser irreverents i políticament incorrectes. Per això, poques de les icones o símbols de la societat que passen per aquesta ficció són respectades: ens trobem des d'un cura denunciat repetidament per assetjar sexualment a noies de bon veure, fins a un Santa Claus travesti, passant per una Annie gorda i negre (personatge que prové d'un musical, i gran símbol de la cultura nord-americana). Aquest intent de trencar esquemes i remoure en els racons més foscos i bruts de la cultura d'Estats Units no només es fa gràcies als temes abordats, sinó que l'actitud dels personatges és un recurs més utilitzat per a aquesta funció.
La fauna de Crane, Poole & Schmidt és molt diversa. En aquesta jungla legal ens trobem personatges molt tridimensionals, que no es paren de qüestionar la seva feina com a advocats, i que pateixen contínuament les contradiccions que el xoc entre la legalitat i la moralitat produeix. A més a més, mentre uns personatges trenquen les fronteres de la legalitat per aconseguir el que creuen correcte (com Alan Shore), altres imposen la estructura legal a les seves creences (com el soci senior del bufet Paul Lewiston).

Si parlem de la part formal de la sèrie veiem que s'ajusta molt a les situacions i a l'acció que té lloc en cada moment. I com que els fets durant tots els capitols s'acostumen a succeir de manera ràpida i dinàmica, predominen molt els moviments de càmera i els zooms. Així doncs, els poc plans fixes que hi ha es reserven a les parts on l'acció és més lenta (parts que no abunden). En canvi, trobem que durant la resta del temps predominen moltes panoràmiques i barridos, els quals també s'utilitzen molt per seguir als personatges per l'escena i per enmarcar conversacions entre diversos personatges, dirigint així la mirada cap a qui parla en cada moment. També tenen protagonisme els zooms in, sobretot en moments on es vol donar tensió. A part, s'ha de destacar que durant molts dels moviments de càmera (panoràmiques, travellings...) i fins i tot durant alguns plans fixes sembla que es tracti de càmera en mà o de stady cam, provocant una sensació de dinamisme o inestabilitat. Tot plegat, doncs, acompanya a una acció ja de per si ràpida i continua.

Es podria dir, per acabar, que Boston legal és una sèrie dinàmica i hilarant, amb una visió cínica i bastant negre de la societat d'Estats Units i que busca certa reacció en el públic (a part de la diversió simple i corrent de mirar la sèrie). Capitanejada per una estrella que s'havia donat per perduda, Boston Legal és una mostra més de producció nord-americana de qualitat que, agradi més o menys, té certes qualitats que no es poden amagar.


per: Jordi Arnau

De la ingènua a l'autora del best-seller


A la seva xerrada L'arquetip de la ingènua el dilluns, 16 de març del 2009, Vicente Benet, professor de la Universitat Jaume I i autor de diversos llibres sobre el cinema, va oferir una petita visió del món cinematogràfic, centrant-se en la figura de la dona ingènua i la seva història, des de pintura i literatura de segles passats, fins a la seva aparició i desaparició al cinema.

La ingènua és un personatge femení, jove, dolç i popular que apareixia a retrats tan coneguts com ara La gerra trencada de Jean Baptiste Greuze, l'exemple bàsic que va posar Benet. Aquí podem veure una nena, aparentment sense cap erotisme que no sigui el pit destapat. Benet, però, va explicar els petits detalls eròtics del quadre que ens podien donar informació més enllà del que es veu clarament, com per exemple, la mateixa gerra trencada, que pot fer referència a una possible pèrdua de la virginitat. Un element molt enfocat per Benet durant la xerrada és l'enfrontament entre la virtut i el desig sexual de les noies, la perversió, el vici. Un enfrontament que troba en el cinema un suport perfecte per desenvolupar encara més aquesta dualitat.

La dona ingènua va ser, des de poc després del naixement del cinema, una peça clau a les pel·lícules. Eren noies amb aspecte infantil, com una nina, però on sovint es podia detectar una forta càrrega eròtica. A la xerrada, Benet presentà diversos exemples d'aquesta càrrega eròtica i el contrast entre vici i virtut, l'actitud juvenil i l'evolució cap a una dona adulta a pel·lícules com ara El Mago de Oz, on les sabates vermelles de Dorothy podrien arribar a simbolitzar la sang, el trencament de l'himen i, per tant, la pèrdua de la virginitat. Per tant, fins i tot a les figures més innocents, trobem la relació amb l'erotisme i la perversió. Característiques claus pel melodrama, on el personatge femení ingenu sovint resultava ser la víctima dels homes. L'exemple de Benet en aquest cas va ser un fragment de The Birth of a Nation de Griffith, on la noia és perseguida per l'home negre que vol violar-la. Al final del fragment es pot tornar a observar l'enfrontament entre vici i virtut, quan la noia es suïcida per salvar la seva innocència.

Un altre aspecte molt important és l'evolució de la ingènua. Després de la segona Guerra Mundial i amb la integració de la dona en el món laboral, la imatge de la noia innocent amb el seu erotisme evoluciona dràsticament cap a una dona desinteressada o, fins i tot, frígida, que primer ha de ser seduïda per l'home. Als anys 60 encara es juga amb la ingenuïtat dels personatges femenins i és just la seva càrrega eròtica el que les fa tan atractives. Exemples d'aquest tipus de dona serien Marilyn Monroe i Doris Day. També apareix la figura de la dona que utilitza les seves armes sexuals per aconseguir el que vol.

La informació que va oferir Benet a la conferència fa reflexionar més sobre el paper de la dona al llarg de la història cinematogràfica. Va explicar l'evolució de les dones que apareixen als quadres de segles anteriors fins als personatges femenins dels anys 60. Encara amb un aspecte semblant, però amb caràcters molt canviats. Va ser una xerrada molt aclaridora i interessant però força monòtona. Si Vicente Benet hagués explicat els fets sense seguir les pautes estrictes dels seus fulls, tot hauria quedat molt més natural i (encara més) emocionant. Sense tenir en compte aquest petit detall, però, es pot dir que la conferència sobre el paper de la ingènua va quedar realment completa.

Pel que fa a la projecció després de la xerrada, cal dir que la pel·lícula Abajo el Amor (Down with Love) de Peyton Reed és una típica comèdia americana que invita a passar una estona en plena mucositat de la dolçor que desprenen els actors Renée Zellweger i Ewan McGregor. Juntament amb els colors pastels presents, sobretot, al vestuari de Zellweger, formen un gran pastís dolç fàcil de digerir. És a dir: una pel·lícula de tardes de caps de setmana.

Cal subratllar que l'anterior xerrada de Vicente Benet sobre l'arquetip de la ingènua, subratlla perfectament la pel·lícula. És obvi que el paper de Zellweger fa referència a l'estrella dels anys 60 Doris Day i també la pel·lícula en sí podria ser una obra extreta del cinema de llavors, cosa que es pot considerar molt correcta si tenim en compte que es tracta d'un homenatge a les grans comèdies romàntiques de mitjans del segle passat. Si trobem la connexió entre Abajo el Amor i aquestes pel·lícules, també podem relacionar l'evolució de la protagonista amb la de la ingènua descrita per Benet cap a una dona més independent i ja no tan innocent.

A Abajo el Amor, la protagonista, Barbara Novak (Zellweger) arriba a la Nova York dels anys 60 per publicar el seu primer llibre. La lectura titulada Abajo el Amor, un manual que ajuda a les dones a emancipar-se mitjançant l'absència d'amor, es converteix en best-seller. Això crida l'atenció d'un periodista, el Don Juan Catcher Block (McGregor), qui, per demostrar que ni tan sols l'autora del llibre pot viure sense amor, intenta enamorar-la.

L'actuació és adequada, tenint en compte que ens trobem davant d'una comèdia romàntica feta per entretenir. Es pot dir que Zellweger està interpretant un paper a la seva mida. La gràcia de la pel·lícula i de la seva relació amb la xerrada anterior, és que es canvien els rols i el que acaba tenint el paper d'ingenu és McGregor.

En general, Abajo el Amor no és una obra mestra, però sí una comèdia molt agradable gràcies al seu humor que no para mai de jugar amb els clixés, l'absurditat, l'erotisme directe i indirecte i la gràcia que comporta la integració de la dona en el món del treball. Fins i tot sense saber que Doris Day i Marilyn Monroe devien part de la seva atractivitat a la imatge de la ingènua i sense conèixer les relacions entre abans i ara, Abajo el Amor pot resultar molt divertida.

per: Kat Launert

El punto y final de Urgencias


El próximo 2 de abril las urgencias (Emergency Room) del County General de Chicago cerrarán sus puertas. Anoten esta fecha en sus calendarios porque es el día elegido por la NBC para emitir el último capítulo de la mítica serie ER, más conocida en España como Urgencias. Después de 14 años en antena apenas falta una semana para conocer el final de las historias que quedan por contar.

Desde su debut, el 19 de septiembre de 1994, adaptada de una idea original de Michael Crichton para una película que nunca se rodó, los doctores de Urgencias se fueron ganando un hueco que ha llenado 15 temporadas, un total de 331 episodios llenos de grandes momentos para recordar pero también de pequeñas situaciones cotidianas que permitían al espectador ver un reflejo de sus propios problemas, tanto de salud como personales. A través de ese día a día se ha ido construyendo una enorme realidad, pero por muy larga que sea toda historia tiene su final, y tanto los guionistas como la audiencia han decidido que ya es hora de cerrar las puertas las urgencias definitivamente.

A pesar de que en su debut arrasó con las audiencias, a partir de la décima y undécima temporada las agujas del medidor caen en picado y pasan de señalar los brillantes primeros puestos de la parrilla a quedarse modestamente más allá de la 30º posición.

Viendo estas cifras puede parecer que el final pasará desapercibido, pero los productivos de la serie se han guardado unos cuantos ases en la manga para evitar que eso ocurra. Esos ases llevan el nombre de los actores que aparecieron en el elenco principal de Urgencias en sus inicios, empezando por el espectacular George Clooney, que no ha olvidado dónde nació su carrera, y que dará vida al popular doctor Ross por última vez. A él se unen Sherry Stringfield (doctora Susan Lewis), Gloria Reuben (ATS Jenie Boulet), Kellie Martin (estudiante de medicina Lucy Knight), Eriq La Salle (doctor Peter Benton), Anthony Edwards (doctor Mark Green), Paul McCrane (doctor Robert Romano), Maria Bello (doctora Ana del Amico), Erik Palladino (doctor Dave Malucci), Alex Kingston (doctora Elizabeth Corday), Ming-Na (doctora Jing-Mei), Noah Wyle (doctor John Carter) y Laura Innes (doctora Kerry Weaver).

Tan seguros están los productores de esta baza que incluso han decidido triplicar el precio de la publicidad para este último episodio: de los habituales 135.000 dólares por spot, pasan a los 425.000 por 30 segundos en su apoteósico final.

Así pues, echando un vistazo al pasado y a los que fueron los inicios de la serie durante un par de horas diremos adiós a los pioneros que allanaron el camino a la multitud de series médicas que nos rodean a día de hoy. "And in the end" será el título que cerrará definitivamente las puertas del County General, el hospital de Chicago más concurrido por el público.

por: Anna Rubio

El límite de la publicidad


La publicidad tiene tanto tiempo, tanto como queramos que esta forme parte de nuestra historia, ya que desde los inicios de la humanidad ha estado presente. Y con todo esto, la evolución de la publicidad ha sido cada vez más notable llevado de la mano con el estilo del arte de cada época. El día de hoy viendo el televisor vi el nuevo sistema publicitario de Coca Cola, “SÉ FELIZ” es el copy que utilizan ahora, sin duda uno de los productos a nivel mundial más vendidos y por lo tanto conocidos, sin embargo en España específicamente ha disminuido un poco en sus ventas, es esa una de las razones de la realización de este comercial, además claro, de la renovación para el mantenimiento del posicionamiento de la marca, para esto Coca Cola ha encargado a la agencia de publicidad McCann el cargo de la publicidad. El video es una historia real por lo tanto es protagonizado por personas que no son actores; Joseph Mascaro, un anciano de 102 años, que viaja a Madrid para conocer a Aitana, una bebé que va a nacer en Madrid y que mas allá de ser muy buena en su dirección de arte, lo cual no voy a discutir, es bastante emotiva, demasiado quizás, para venderte un producto el cual con la trayectoria que tiene de causar daños en nuestro organismo, al medio ambiente y muchas cosas más. ¡¡Vamos!!, jugar con las sensaciones de las personas para venderte un producto, creo que fue lo mejor después de tanto tiempo es una buena forma de llegar a las personas. No hay cosas que destaquen lo negativo del video, sólo el tiempo que a pesar de ser corto en publicidad lo más indicado es que dure menos al menos 1 minuto estaría bien pero esos 30 segundos podrían salir bastante caros, pero Coca Cola lo puede y más, y también las escenas subliminales del uso de la Coca Cola, en el brindis de ancianos, en la maquina de sodas. Pero no los culpo por intentarlo, después de todo, la historia no va tan de la mano con el producto y esas decisiones generalmente las toman los de Coca Cola.

Aquí esta la pagina donde ver el video y el dialogo:
"Esta historia es real. En estos tiempos difíciles reunimos al hombre más viejo al bebé más joven.Hola Aitana. Me llamo Joseph Mascaró y tengo 102 años. Soy un “suertudo”.Suerte por haber nacido como tuSuerte por poder abrazar a mi mujerSuerte por haber conocido a mis amigosSuerte por haberme despedido de ellosSuerte por seguir aquíTe preguntarás cuál es la razón de venir a conocerte hoy y es que muchos te dirán a quién se le ocurre llegar en los tiempos que corren: que hay crisis, que no se puede, …Esto te hará fuerte.Yo viví momentos peores que este pero al final de lo único que te vas acordar es de las cosas buenas.No te entretengas en tonterías, que las hay, y vete a buscar lo que te haga feliz que el tiempo corre muy deprisa.He vivido 102 años y te aseguro que lo único que no te va a gustar de la vida es que es demasiado corta."

por: Hugo Fco. Caro