Física o química, o la sèrie amb més innovacions del món

L’altre vaig sentir que una “nena” de 15 anys deia que Física o química és la millor sèrie que ha vist mai. Física o química. Aquesta sèrie tracta les històries d’uns adolescents i uns professors d’un col·legi en concret. Però és una novetat? Compañeros, Al salir de clase, la sèrie de moda Sin tetas no hay paraíso... Còpies de sèries americanes com Beberly Hills o Sensación de vivir, seguint la mateixa línia i estructura.

El més habitual en aquestes sèries és veure uns personatges totalment estereotipats: la noia guapa i tonta, el noi malcarat, l’homosexual, la xica intel·ligent i amb ulleres de cul de got, el noi guapo a qui totes li van al darrere i que oh!, justament té un cor que no li cap al cos. En aquest sentit els moviments feministes queden relegats a una lluita superficial sense importancia alguna, igual que tots els temes relacionats amb la sexualitat. Les moralines més inocents i els personatges més tópics son les marques d'unes relacions previsibles y manides. En aquest sentit s'acaba ridiculitzant a si mateixa al no encabir altres posibles víes de conflictes i de tancaments d'aquests.

Els temes que surten són dels més comúns (recursos habtiuals en la televisió): racisme, drogues, anorèxia, relacions sexuals... De tot, i com a objectiu representar la realitat. Tot i així, no sé si s’aconsegueix aquest propòsit. Si intenten educar als nens -ajudar als pares- no se n’ensurten, o si volen donar més poder als professors, tampoc.

Sèries amb un èxit ja no sorprenent, que en realitat no aporten res ni cinematogràfic ni culturalment parlant. Són morboses, això sí. Enganxen al públic, sobretot juvenil, intentant que aquest s’hi senti identificat. I sí, això sí que ho aconsegueixen.

Però no són res de l’altre món, bé a ser la mateixa “porqueria” que Operación Triunfo o Gran Hermano, però en ficció. No fan pensar al públic, no el volen mentalitzar de res, el director no aconsegueix cap mèrit i el joc del montatge és monòton i gens espectacular.

També cal dir que a qui li vaig sentir dir que Física o Química és el millor que hi ha a la televisió és, com ja he dit, una “nena” de 15 anys.

per: Meritxell Monje

Poesia brutal

Hunger es la ópera prima de Steve McQueen, laureado artista británico habitual en el mundo del cine-arte, que fue recientemente proyectada dentro del festival de cortos de Tarragona, el REC. Pese a los premios recibidos en importantes festivales de cine durante el pasado año todavía no ha sido oficialmente estrenada en nuestro territorio. El largometraje además vino acompañada de una cierta polémica dada la complejidad del tema tratado. En este se relatan las vivencias de unos presos pertenecientes al IRA durante la blanket and wash protest, una acción de protesta que consiste en evitar la higiene, tras el fracaso de esta protesta se metieron varios de los presos, entre los que se encontraba Bobby Sands (protagonista de 2/3 del metraje) en una huelga de hambre. Nueve de ellos murieron ante las negativas de la mano dura de Margaret Thatcher, la dama de hierro. Aunque el film no expone el caso de Bobby como el de una heroicidad, si no que más bien abre el debate sobre el uso del cuerpo como arma política.

El film se compone de tres actos claramente diferenciados. El primero es la huelga de higiene, el segundo es un apoteósico diálogo de 20 minutos sobre el siguiente y ultimo paso/acto, la huelga de hambre. A excepción de la segunda parte la película apenas contiene diálogo alguno, de hecho las pocas palabras articuladas por los personajes apenas tienen relevancia alguna durante estos actos.

Lo visual cobra de esta manera una fuerza especial, que más allá de su sentido narrativo (del cual puede presumir) consigue a un nivel estético alcanzar la denominación de “poético” en todos y cada uno de sus planos. En este sentido el autor de la obra aborda escenas crueles y duras con una mirada que embellece pero no suaviza. Incluso las paredes pintadas con las defecaciones de los presos van más allá de esa brutal realidad y gracias a la fotografía (sobretodo por una luz natural en la mayoría de escenas; extraordinaria la que se cuela en una ventana pequeña en las celdas, le confiere un aire religioso especial a la habitación) se les infiere un carácter casi lírico, una textura especial que por alguna razón recuerda a la pintura. El director ha marcado en todo momento un sello propio, una búsqueda por una forma personal de contar los sucesos en los que prima una belleza visual contraria a la dureza del contenido y la austeridad de las localizaciones. Y es que hay extractos como las palizas de los guardias, en los que unido al rítmico sonido de los golpes uno de estos se lamenta en una habitación contigua, que quedarán en las retinas durante mucho tiempo.

La narrativa se encuentra en un punto intermedio entre la semiótica estructural y una creación propia en la que se encuentra la lírica y el especial montaje de esta película. Mientras que gracias a una serie de montajes fragmentados y paralelos se nos relatan los hechos en la prisión y en la breve vida de uno de los carceleros, también se rompe con esa necesidad narrativa para entrar en la expresividad del montaje. La limpieza de un pasillo que pasa a ser el final de una lucha, las vejaciones a los terroristas que marcan un punto de inflexión en la huelga de higiene, etc. Los planos y las escenas se suceden con una intención ideológica; aunque el filme no se posiciona en ningún bando.

Una mención especial para el segundo acto cuyo trabajo visual está supeditado a la palabra. En un plano-secuencia, de cámara fija y con unos personajes ya presentados pero escondidos por el contraluz y el humo de los cigarrillos, el director deja que la interpretación de los actores y la calidad del guión sean lo que capte toda la atención del espectador. El debate que se crea entre los dos personajes abre una tensión ideológica de raíces culturales. Por cuestiones de clase y de religión están en cierta manera enfrentados. Ambos parecen tener un fin común, pero las distancias sociales son las que provocan este conflicto que va más allá de lo político. El clérigo acepta y ve posible la vía del diálogo, la del sistema mientras el terrorista cree que este tipo de objetivos requieren de acciones duras y directas. Es uno de los debates más interesantes y bien resueltos jamás filmados. Finalmente este diálogo termina con un segundo cigarrillo, un monólogo con la cara descubierta que presenta al auténtico protagonista del largo así como sus convicciones.

La última parte vuelve de nuevo al silencio, de hecho se convierte más que en la primera parte en un arma con la que el director provoca una sensación de angustia continua. En lo estético la luz inunda la habitación en la que es atendido Bobby, que poco a poco va demacrándose hasta el punto de ser incapaz de moverse, incluso su respiración parece verse cortada por cualquier pequeño paso en el pasillo contiguo.

En definitiva tenemos una de las películas más interesantes del 2008. Una apuesta arriesgada por el tratamiento que ofrece del tema y por romper con muchas convenciones del cine que trata la política o el debate social. Es curioso que el propio filme ataque a su propia estructura y juegue con la imagen y la palabra más por separado que como partes de un mismo texto. A todos los que tengan la oportunidad de verla se la recomiendo, aunque deben estar preparados para una obra lenta, dura y llena de referencias simbólicas al arte, al cuerpo y al respeto. Genial por no posicionar héroes ni villanos, más que la dureza propia de las declaraciones de Thatcher.

por: Joaquim Navarro

Para ser fiel hay que ser infiel

Confieso que no he podido evitar caer en la tentación de ver una serie llena de mujeres que pretenden ser infieles. Empecé a curiosear con un poco de escepticismo porque me había llegado a los oídos que parecía una mezcla entre Mujeres Desesperadas y Sexo en Nueva York, pero la verdad es que me ha sorprendido gratamente, al menos de momento. Es cierto que cae algún que otro tópico en el guión, y que a veces peca de irreal, pero aun así tiene algo que la hace especial, ¿que debe ser?

Durante años se consideraban una minoría oculta bajo el poder masculino. Quedaban siempre en segundo plano resignadas a identificarse con unos estereotipos que a duras penas representaban la realidad. Bajo la falsa apariencia de ser un serial catalán más, Infidels se abre paso en una venganza hacia el dominio de la mirada masculina que tanto marcó el cine en su día.

Las series televisivas están de moda y aparecen tantas que las que quieren destacar necesitan buscar algo que las diferencie, que las identifique. Infidels ha elegido recorrer a una estética cinematográfica que la aleje de las formas televisivas de siempre para hacerse un hueco en el espectador.

El misterio y los pequeños secretos del día a día son el otro arma del que disponen los guionistas para cazar a su público. No presenciaremos asesinatos, no habrá secuestros ni grandes abogados ansiosos de poder. La serie trata de representar la realidad que viven un grupo de mujeres de caracteres y vidas muy distintas.

Reflejar la pugna entre la infidelidad clásica y la fidelidad a los propios principios es uno de los propósitos del guión, que pretende conseguirlo no sólo dando importancia a la palabra, sino contando con el lenguaje cinematográfico: los silencios, las miradas y el estilo de montaje.

Cruz (Ingrid Rubio), Lidia (Montse Guallar), Joana (Montse Germán), Paula (Sílvia Bel) y Arlet (Aina Clotet) dan vida a un grupo de amigas que comparten un propósito en la vida: ser fieles a sí mismas y no dejar que nadie ajeno a su persona decida su destino. Con sus habituales cenas o sus reuniones en la piscina, el grupo de amigas se pone al día de su vida y cotillean sobre todo lo que pueden y más.

A medida que la serie avance, iremos conociendo los secretos que ocultan estas mujeres tan aparentemente sencillas como una enfermedad terminal en una de ellas o el descubrimiento de su homosexualidad por parte de otra.

“Para ser fiel hay que ser infiel” es el lema de esta obra catalana que no dejará indiferentes a aquellas mujeres que busquen una serie con una mirada algo más femenina de lo habitual, y que deje de lado esa masculinidad que ha marcado tanto cada una de las imágenes que llegaban a nuestras pantallas.

por: Anna Rubio

Rudo y Cursi

Tras su larga espera después de su estreno en mexico hace más de 4 meses, llega este film, de nuevo con la dinámica pareja Diego Luna y Gael García que hizo llegar al cine mexicano a hollywood con la pelicula Y tu mamá también, nos aparece esta pelicula, que de alguna u otra forma tratarà de superar ese exito.

Un Film escrito y dirigido por Carlos Cuaron; en la que se narra la historia de dos hermanos Tato (Gael Garcia) y Beto (Diego Luna) que viven en un poblado del sur de mexico, su sueño es llegar a la cima y ser reconocidos, siempre de forma humilde, todo parecìa que no iba a lograr pasar èso hasta que un dìa en un partido de futbol en el que se enfrentaban ambos, un cazatalentos (Guillermo Francella) que casualmente pasaba por ahì, se da cuenta de las habilidades futbolisticas de los dos jugadores, y decide llevarse a uno de ellos, la historia pues se desarrolla en la capital mexicana donde todo gira a travès del dinero, los campos de futbol y las apuestas, todo va bien hasta que ambos despuès de ser ricos, al buscar su felicidad uno en la mùsica y el otro en las apuestas, se ven atrapados y regresan a donde comenzaron.

Bueno a decir verdad el film no ofrece nada màs que lo que la sinopsis nos cuenta, es divertida, con un cierto toque de humor, aunque tiene una buena realizaciòn y direcciòn de arte, no deja de ser una historia bastante comùn, donde sòlo nos venden a los actores y al director, es decir es màs una obra de publicidad, manejada por la fama, ademàs de como el cine se maneja màs por contactos y por dinero. También es muy notable el intento de hacer un mismo trama fusionando a los actores y dejándose llevar por la amistad que ambos tienen, es triste encontrarse con la repeticiòn de elementos en las peliculas, pero después de haber visto una película así, encontrarte con los mismos elementos no sólo en la trama si no con los actores, es lamentable.

por: Hugo Fco. Caro

Benvinguts a la tercera dimensió

Confesso que quan en vaig sentir el títol no em va entusiasmar. La noia que tenia a l'altra banda del telèfon s'entestava a suscitar la meva curiositat: que era la preestrena d'una nova tecnologia digital 3D, que hi hauria periodistes i gent del ram amb qui parlar, que ens havien convidat i era una oportunitat... Però reconec que les seves paraules van passar prou inadvertides pel meu conscient fins que una d'elles, només una, em va fer reaccionar: "gratis". L'entrada era gratis i al dia següent costaria nou euros i mig. Valia la pena, oi?

Monstruos contra alienígenas és la darrera de DreamWorks Animation, una pel·lícula correcta, amb personatges entranyables i moments graciosos –segurament no de les més gracioses del gènere–, per veure en família. La novetat rau en què està filmada amb la tecnologia digital 3D. I ara que ja hem sortit de la pel·lícula (gràcies a déu!) i hem arribat a la qüestió tecnològica, parlem-ne.

Digital 3D vol dir bàsicament dues coses: la primera, que a l'entrada del cinema et donaran unes ulleres "actives" (actives?), d'un rotllo entre futurista i psicodèlic, que t'hauràs de posar si no vols veure doble –cosa, per altra banda, prou divertida– (Nota mental: el proper dia –quan tingui nou euros i mig per gastar en cinema– posar-me lentilles.); la segona, que gràcies a aquestes ulleres veuràs, sempre en moments puntualment estudiats i especialment treballats –paisatges amb molta profunditat de camp, moviments bruscs d'elements...–, les imatges en 3D. Ja està. Res més. I això convenç? Doncs sí: a mi em convenç, i a tots els que estàvem allà també.

En realitat, aquest primer contacte s'ha de veure com la presentació d'una tecnologia que, sense cap mena de dubte, evolucionarà, s'anirà treballant i arribarà a fer-nos veure coses espectaculars. En aquest cas es tracta d'un film d'animació, però ja s'estan preparant títols amb personatges de carn i ossos (d'acord, els títols són "Hannah Montana. La película" i "Jonas Brothers. La película" –encara no he decidit per quina de les dues em decidiré a pagar nou euros i mig–, de Disney, però fixem-nos només en les bones intencions...). A més, s'obre el debat sobre quin pot ser l'ús de tot això que en facin, per exemple, creadors visuals o altres vessants artístiques. I encara més: imagineu-vos una pel·lícula de por en tres dimensions; ha de valdre la pena pagar-hi nou euros i mig!

3D és la segona part del binomi; la primera és digital. Digital vol dir que s'acaben molts problemes de distribució i exhibició. En un projector digital pots carregar en un moment qualsevol pel·lícula (2D o 3D) per a la seva exhibició, eliminant problemes de formats. Per entendre'ns: versions en diverses llengües (català, castellà...), versions originals subtitulades..., que ara es topen amb el problema de la distribució i els projectors de bobina, se'n veuran afavorides. Fins i tot es podran emetre documentals, partits, concerts i altres espectacles.

Per acabar: la digitalització arriba cada cop amb més força al cinema, i això vol dir que el ventall que s'obre és amplíssim. Caldrà esperar a veure com es reestructura el mercat i si les pel·lícules en tres dimensions es desenvolupen al marge o es mengen, poc a poc, la quota de les de pantalla plana, tal i com va passar amb altres revolucions tecnològiques com el so o el color. La mítica frase "you haven't seen anything yet" –no heu vist res encara– pren més força que mai. Senyores i senyors, benvinguts a la tercera dimensió.

per: Xavier J. Triguero

Perduts per una sèrie

La televisió ha creat, des de que va aparèixer, un efecte de fidelització i seguiment molt important en el seu públic. Des dels presentadors i estrelles mediàtiques de la petita pantalla fins a les sèries o programes han estat objecte d'admiració i fins i tot idolatració. I en els últims anys, potser han estat les sèries l'exemple més gran d això. Després d'una producció massiva de sèries d'alt pressupost i qualitat provinent de nord-amèrica, la gent ha recuperat l'interès en la ficció televisiva. I l'espurna que va encendre aquest boom televisiu va ser una sèrie que ja s'ha convertit en objecte de culte: Lost. Perdidos, que és com la coneixem aquí, va ser un fenomen televisiu a gran part del món, fins i tot a casa nostra. Però com que la televisió pública va maltractar aquesta sèrie (canvis d'horari continus, mala planificació al emetre les temporades, etc.) hem hagut d'esperar a que un altre canal comprés Perdidos per poder-ne disfrutar amb certa continuïtat. Aquest moment ha arribat, i ha estat Cuatro qui ha situat aquesta ficció a les tardes dels diumenges, amb diversos capítols consecutius (ni més ni menys que sis capítols seguits el primer dia).

I es que ens trobem davant d'una sèrie poc corrent. A Perdidos veurem com conviuen i sobreviuen un grup de 47 supervivents d'un accident aeri, que acaben a una illa deserta on succeeixen tot un seguit de fets estranys. Més enllà del senzill plantejament del que parteix la sèrie, la trama es va complicant poc a poc, afegint enigmes i preguntes que l'espectador no pot evitar fer-se. I és que a part dels problemes que poc a poc els supervivents es troben a la illa (que van des dels normals com serien trobar menjar i aigua fins al fet de trobar-se un os polar en una illa tropical...), també ens trobem que la línia narrativa es centra molt en el passat dels personatges, deixant-nos veure els conflictes que aquest han viscut i que expliquen el seu caràcter. Això si, aquestes regressions que es fan en forma de flashback, no afecten als 47 supervivents, si no que es centren en els personatges que també cobren més protagonisme durant les accions a l'illa.

Realment son aquesta desena de personatges els que al principi atreuen l'interès de l'espectador: ens trobem davant de personatges que aparentment son esteriotípics. Per tant, tenim des del noi obès però simpàtic i bona persona, fins a la pija tonta, passant pel guaperas bo i protagonista al principi, o el guaperes dolent, però no tan dolent, el pare i el fill que no es porten bé o la noia atractiva i carismàtica. Aquests personatges, que semblen plans i molt vistos, van adquirint força i volum gràcies als continus flashbacks que inunden la sèrie. Per això veurem com per exemple la noia atractiva té un passat fosc, perquè el pare i el fill no es porten bé o que la pija tonta realment no és tan tonta. Aquestes diferències entre els caràcters són les que fan ressaltar encara més les relacions interpersonals dels personatges.

A més a més, els guionistes han creat hàbilment encara més conflictes amb l'interculturalitat, ja que hi trobem gent de diferents parts del món entre els supervivents. Per exemple, ens trobem una parella coreana on qui té el rol dominant és el marit, que en aparença es molt gelós i obsessiu. Però poc a poc, i al conèixer el passat d'aquests dos personatges, veurem com realment el marit està supeditat per sempre a la seva dona i al pare d'aquesta, i com el que a primera vista es presenta com a gelosia és en realitat por a perdre el que més s'estima. També veurem apareix la figura de l'àrab, que a més a més ha estat soldat de l'exèrcit republicà d'Iraq, és a dir, que ha lluitat contra Estats Units. Però a poc a poc veurem com aquesta figura està atormentada per aquest passat com a soldat, i que resultarà ser una de les figures més sòlides de tota la sèrie. Per tant, veurem durant tota la sèrie com al conèixer millor els diferents personatges, els propis espectadors canviarem la nostra visió sobre ells, i com aquest canvis faran que també canviïn els seus rols dins la sèrie.

Celebrem, doncs, que aquesta sèrie hagi aparegut d'una manera més digne a la nostra televisió, i que per fi disfrutem d'aquesta ficció, on els personatges es van creant al avançar la trama, i on res és el que sembla.

per: Jordi Arnau

La lista (Deception)

Coses que no encaixen, intriga, misteri… A part, bons actors, un tràiler que fa la boca aigua i una gran publicitat. La lista és una pel·lícula que té molt bona pinta però que tot i així acaba decepcionant.

La pel·lícula tracta d’un comptable, Jonathan (Ewan McGregor), i de la vida que ni porta ja que està totalment aïllat, la qual canvia quan coneix a Wyatt (Hugh Jackman). Wyatt és un adbocat amb un gran carisme que aconsegueix que Jonathan vagi a un club sexual, The List. El protagonista s’enamora d’una noia però també es converteix en un sospitós, el principal acustat de certs fets. Es troba en una situació desesperant i sense tenir del tot en compte el gran poder de Wyatt.

El que si que s’ha aconseguit al film és la construcció dels personatges i els seus marcats caràcters. Clar que tampoc no sé si dir que el mèrit és del director o de la genialitat dels propis actors. Tot i així, si un està acostumat a aquest tipus de pel·lícules ha d’admetre que tampoc no hi ha res que pugui dirs-e inesperat al thriller, bastant estereotipat.

Tot i el gran repartiment d’actors la pel·lícula careix d’intensitat i acaba sent avorrida, a diferència del que mostra el tràiler. Quan algú veu aquest espera que succeeixin mil coses i que no parin de passar-ne més. És molt exitant, però a mesura que els aconteixements van passant un s’adona que no és res més que això, el transcurs d’uns fets.

El pitjor de tot: s’acaba la pel·lícula i potser si que acaba caient un comentari, però res més, no t’aporta especialment. I no crec que aquest fos l’objectiu del director Marcel Langenegger.

per: Meritxell Monje

Los abrazos distantes

La decimonovena película de Pedro Almodóvar se escapa de su ya habitual registro de drama para adentrarse en el género del cine negro. Un terreno que podría resultarle familiar por compartir pasados oscuros y enterrados, personajes atormentados y situaciones límite. Sin embargo en este filme estos elementos que conseguían proximidad con el público y le hacían cómplice de sus historias no funcionan. El director manchego, pese a contar con un guión bien hilvanado y unos personajes definidos aunque no tan pintorescos como en anteriores ocasiones, ofrece un producto descafeinado tanto en su vertiente dramática como en la de género.

Los aspectos técnicos de esta obra son de gran factura. Todo en lo que concierne a dirección está sumamente pensado y trabajado, todos los planos, movimientos y la puesta en escena rayan lo excelente y empujan al interés al mantener el ritmo. Además existe un juego metacinematográfico gracias al uso que hace de dos elementos de la narración: el rodaje de “chicas y maletas” (una película ficticia que homenajea a “Mujeres al borde de un ataque de nervios”) y las grabaciones de espionaje dentro del mismo rodaje. Gracias a estos elementos consigue una narración aún más fragmentada contando la historia con otros puntos de vista y jugando con recursos cinematográficos. Es una pena que el más dramático, exagerado y, pese a los anteriores adjetivos, coherente esté destripado en el anuncio televisivo. Una mala decisión por parte de los responsables de la promoción ya que rompen la gran sorpresa y tensión que consigue esa escena.

Sin embargo no todo raya este nivel, los actores forman un elenco muy irregular en cuanto a interpretaciones. Luís Homar se enfrenta a un papel difícil que requiere de una comprensión de la psicología holística del personaje muy completa. Es un hombre que ignora su pasado pese a afectarle de lleno pero acompañado por una cierta sed de venganza y por la curiosidad. Tales contradicciones las vehicula con unos cambios de actitud que no convencen. Un grave defecto de cásting dado que es quien controla toda la narración. Por otro lado está Tamar Novas que se encuentra completamente fuera de lugar. Su actuación no resulta nada creíble ni natural y deja en evidencia una supuesta revelación sorpresa al final del filme. El resto de los actores hace una labor comedida y correcta. Lo único especialmente reseñable en este aspecto es el trabajo que formaría parte del proyecto “Chicas y maletas” en la que tanto Penélope como los cameos y Carmen Machi hacen una interpretación gloriosa.

Sorprendente resulta la contradicción entre el estilo de algunos fragmentos, del rodaje ficticio y del final en cuanto a estética. El toque camp clásico de Almodóvar sigue en boga incluso con el uso de algunos momentos de claroscuro y en localizaciones algo más austeras. Cabe decir que el ambiente de cine negro queda diluido con una fotografía suave que confiere un aspecto amable a los personajes.

Y la mejor parte de toda la película pertenece a ese trabajo ficticio de “Chicas y maletas”, tanto los fragmentos cortos como el final en el que se presenta el arranque del montaje destilan una gran cantidad de humor entre lo absurdo y lo cotidiano tan propio del autor. Estas escenas imprimen una cierta cadencia a la película que adolece de un ritmo pertinaz que merma el interés del espectador.En definitiva resulta una tarea muy personal dentro de un ámbito inusual para el director manchego. Aunque es una película de cine negro decente, la comedia que aparece en “Chicas y maletas” atrapa toda la atención del espectador. Es un postre muy dulce y agradable para una comida a momentos amarga y algo pesada.

por: Joaquim Navarro

Reflexiones... el origen de las cosas

Con la recién estrenada película Fuga de Cerebros,me hizo pensar de nuevo en la serie de una de las actrices: Amaya Salamanca en Sin tetas no hay paraíso. Y es que la serie obtuvo mucho éxito en España pero la verdad, habiendo visto la versión colombiana, me quedo con la última.

Cuando se dice que en las adaptaciones se pierde la esencia de la historia, creo que en este caso estan en lo cierto, pues nada tiene que ver la Catalina española con la colombiana (a partir de ahora Catalina E y Catalina C).

Para empezar Sin tetas no hay paraíso colombiana se basa en el libro homónimo escrito por Gustavo Bolívar, por lo que se trata de un relato centrado en el contexto colombiano. Si Catalina E se mueve por su amor platónico y se disculpa con la inocencia de su ser, las motivaciones de Catalina C son las de sobrevivir, las de salirse de un barrio marginal y poder encontrar a la persona que la pueda mantener.

En muchos barrios de Colombia, la única forma de subsitir es volviéndose un traqueto (sicario) si eres hombre, o prostituiéndote en el caso de las mujeres. En el caso de Catalina C, viaja con su supuesta amiga Jessica del barrio pereirano a la capital, Bogotá, con la firme idea de reunir dinero para implantarse unos pechos, y así poder atraer al “hombre de su vida”. En estas, se convierte en una “mujer prepago” (mujer de acompañamiento) hasta que encuentra a un pez gordo del narcotráfico que se encapricha de ella. Catalina C. habia dejado a su amor en Pereira, pero la necesidad hace que acceda a casarse con el sicario y asi poder llevar una vida de lujos y poder enviar dinero a su madre, la cual acaba embarazada del amor de toda la vida de su hija. Pero lo que parecía un sueño se acaba volviendo una pesadilla, su hermano se convierte en un sicario, su marido se aburre de ella y centra su atención en Jessica y el implante de pechos le causa alergia y le tienen que sacar los senos de silicona. Despojada de su castillo de naipes, planea una estratagema para que en un trabajo (dícese de cuando los sicarios van a matar a alguien) en el que uno de sus empleados iba a matar a Jessica, acaban matándola a ella.

Con un final como el de Alemania año cero, no se diferencian mucho estas dos películas, pues las dos narran las vidas de gente en guerra, en pobreza, que tratan de salir adelante pero que la vida les da la espalda. Quizas, al tratarse de una telenovela, Sin tetas no hay paraíso es mucho más dramática, con primeros planos y música expresiva, pero no deja de tener ese neorealismo en cuanto a mostrar la pobreza y las desgracias de un país que aunque no sea una guerra tan mediática como la de Oriente Medio, sí sufre una guerra en silencio, y mucha población sufre las consecuencias.

Sin tetas no hay paraíso Colombia trató de darle una moral a la serie con el siguiente mensaje:



Y es que un país en el que abunda la pobreza y la falta de educación (que no quiere decir de modales), la televisión es la gran educadora, y mensajes como estos son los que tratan de sacar adelante este país y romper con el círculo vicioso en el que los traquetos y las damas prepago forman parte de la cultura popular y por ende, el país tampoco mejora, pues si no ves otras opciones que estas no podrás evolucionar.

Si quereis ver un resumen de los capítulos podeis hacerlo en:

http://www.buscatv.net/2008/05/sin-tetas-no-hay-paraiso-colombia.html

por: Nur Ortega

Nedar és bo per a l'esquena...

El dia 27 d'abril del 2009 el Caixafòrum de Tarragona va oferir als interessats l'oportunitat de veure i contemplar el primer llargmetratge de Carla Subirana, titulat Nedar, un documental molt personal, explicat en primera persona.

És una recerca de la pròpia identitat. La història d'una dona que investiga qui era el seu avi, què va fer i per què havia de morir. Joan Arroniz, originalment de Murcia, va morir afusellat l'any 1940. Això és tota la informació que la directora i protagonista li va treure a la seva àvia abans de la mort d'aquesta. Carla va començar a investigar i a descobrir noves veritats sobre el seu avi. Amb testimonis i experts com Joaquim Jordà o Abel Folk que li donaven consells i la guiaven, Subirana va arrossegar a la llum informacions i filmar imatges amb les que va crear una obra meravellosa, amb un ritme descelerat però no massa lent, sobre el camí cap a la veritat. Durant anys d'investigació, va descobrir que el seu avi havia atracat una tenda i per això havia sigut afusellat.

Mentre busca la veritat sobre el passat, també documenta la tràgica realitat del present. La seva mare mostra un estat avançat d'Alzheimer i ella la recolza i ajuda amb els exercicis que ha de fer. La tendresa que transmeten aquestes imatges connecten amb els espectadors i fan reflexionar sobre la pròpia vida, sobre les relacions amb la família, sobre el passat i el futur.

La càmera és un testimoni en el seu camí cap a la veritat i a través de totes les dificultats i les tragèdies a les que s'ha afrontar en aquesta família de dones. Bàsicament, podem dir que és un documental expositiu, ja que la veu en off, de la Carla mateix, sovint explica cada detall, fins i tot les informacions que ja ens donen les imatges. En altres moments, Subirana ofereix imatges en blanc i negre que representen com s'imagina ella el seu avi i la relació d'aquest amb la seva àvia.

Amb la barreja de imatges sobre el procés de la seva investigació i gravacions de la seva família, Subirana crea un ambient familiar emocional i tràgic. És una obra molt personal, però la directora transmet la sensació que el mateix espectador pot formar part d'aquestes situacions i que el que li ha passat a ella, li podria passar a tothom.

Per enllaçar millor les diferents parts, utilitza imatges d'ella mateixa a la piscina. Això ho fa per donar a l'espectador temps per reflexionar sobre el que ha vist i entendre-ho. A més, relaciona l'aigua amb aquestes reflexions i la memòria. L'únic punt de crítica és el fet que aquesta relació entre l'aigua i les reflexions no queda prou clar al documental. Però en general, Nedar és una forma de fer documentals completament diferent i molt agradable, fàcil de digerir i que connecta immediatament amb el públic.

per: Kat Launert

Esas amas de casa tan desesperadas

Un travelling inicial nos deja ver la magnificencia del típico barrio residencial: el día empieza, los maridos se van a trabajar y las amas de casa se ocupan de sus hogares. Nada puede romper la perfección de esa solemne imagen americana. Espera, ¿Qué ha sido eso? ¿Alguien ha disparado una pistola?

Apenas había pasado el primer minuto del episodio piloto cuando una de las protagonistas se pegó un tiro. Marc Cherry, el creador de Mujeres Desesperadas, debió pensar que no hacía falta andarse con rodeos y que un capítulo era suficiente para presentar a sus protagonistas y el misterio que las iba a rodear: el suicidio de una vecina y amiga.

Este fue el pistoletazo de salida (y nunca mejor dicho) de una de las series que devolvió a la ABC el rumbo que había perdido, y es que aunque a simple vista veamos una comedia como tantas hay, los sótanos del barrio residencial de Wisteria Lane ocultan tanto misterio, tragedia y cinismo que es imposible dejarlo pasar.

Bree (Marcia Cross), Lynette (Felicity Huffman), Susan (Teri Hatcher) y Gabrielle (Eva Longoria) son cuatro amas de casa desesperadas que nos abren las puertas a un catálogo de estereotipos: Bree es una ama de casa cuya única misión es alcanzar la perfección en sus tareas; Lynette es una ejecutiva que cambia las reuniones por los pañales y los trabajos domésticos; Susan es una divorciada que no sabe ni poner una lavadora y Gabrielle es una modelo frívola que vive de su cara bonita.

Sin embargo, tras esta máscara de “otra típica serie de la Fox” se esconde una crítica a esa despreocupada clase social. Con una mezcla de humor, ironía, cinismo y sátira se nos da a entender que no es oro todo lo que reluce, que el dinero no compra la felicidad y que América sigue siendo un mundo aparte. Además, a pesar de estar dirigida por un hombre la serie trata de buscar una forma de puesta en escena que explore el deseo femenino y que intenta que las mujeres se sientan identificadas. Veamos sino, la doble cara que ocultan las protagonistas más allá de sus clichés.

Tras la perfección de Bree se encuentra una mujer vacía que intenta reinventarse a sí misma; Lynette es el ejemplo de cómo no rendirse nunca ante nada; Susan enseña que no hace falta ir pidiendo perdón ante el mundo por ser soltera y Gabrielle muestra la otra cara de ese feminismo arraigado en que la mujer siempre es la víctima: mientras goza con los regalos de su marido disfruta del cuerpo de su jardinero. En parte podríamos decir que la faceta cómica de las protagonistas y de sus situaciones desestabilizan las jerarquías sociales tradicionales: aquí mandan ellas.

Tras cuatro años en antena ya era hora de darle un pequeño empujón. La quinta temporada, pues, da un paso de gigante y nos lleva cinco años más adelante: los misterios ya no están solo en el presente sino que deberemos indagar en ese lapso de tiempo para comprender como han llegado hasta aquí.

La serie cuenta con la inestimable ayuda de Mary Alice Young, la suicida del primer episodio, que con su voz en off desde el más allá dará vida a las historias, contará los secretos más recónditos y terminará haciendo que el público derrame alguna que otra lágrima: incluso las historias más divertidas e inversemblantes pueden guardar tragedias incontables.

Así pues esta mezcla de comedia y drama con una irónica sátira de la sociedad produce una gran aceptación entre el público en general, pero también entre comunidades concretas, como por ejemplo, el colectivo homosexual. Desde la primera temporada y hasta la presente se muestra la evolución de un personaje homosexual desde que sale del armario y vive una dura situación de incomprensión hasta la total aceptación de la homófoba de su madre.

Además, en la quinta temporada (todavía en emisión en Estados Unidos) se introducirá algún que otro personaje femenino de tendencia homosexual: el lesbianismo hará sus cameos por Wisteria Lane dejando al público bastante sorprendido.

Aunque hayan pasado ya cinco años, Marc Cherry asegura que le queda cuerda para dos más y que ya tiene la escena final pensada. Sin desvelar nada más, el creador deja que crezca el suspense y que nos invadan los misterios de estas amas de casa tan desesperadas.

por: Anna Rubio

Los olvidados (1950)

• Género: Realismo
• Duración: 80 min.
• Dirección: Luis Buñuel

Recordar las cosas que siempre pasamos por alto, y resaltarlas de una forma tan explícita, en un lugar donde la sociedad se mueve tan rápido, en especial en ciudades tan grandes, es la película de Los olvidados realizada por Luis Buñuel. Una de las que volvió a impulsarlo a su carrera cinematográfica.

Una largometraje en el que se retrata a un grupo de niños que viven en la calle, todos ellos sin padres, y dependiendo y sobreviviendo del robo. Aquí se mezclan ciertos valores, como amistad, honradez, con algunos temas que resultan malos. La trama principalmente se desarrolla debido a que el Jaibo (Roberto Cobo) recién salido de la correccional, decide tomar venganza con quien lo delató. Pedro (Alfonso Mejia) lo guía y observa como asesina al supuesto delator de ahí se desarrolla el drama que llevará a un trágico y triste final.

Esta película tiene un estilo realista como el que se comenzaba a realizar en esas fechas por directores italianos como Roberto Rossellini, es decir planos abiertos, donde los personajes se funden con el escenario, el cual es real. Sin embargo cabe destacar que como era clásico de Buñuel, maneja mucho el tema del surrealismo, algo que se vendrá desarrollando tiempo después por distintos artistas como Salvador Dalí, Andre Breton, Triztan Tzara, etc.

Aquí se observa un claro estudio a los temas de la región de México, desde los sistemas de justicia, hasta las maneras de comportamiento de las personas y claro una serie de contrastes en la realización que permiten al espectador interrogar sobre la posición en la que él se encuentra.

por: Hugo Fco. Caro

Una parella de tres

Una parella de tres tracta la història d’un matrimoni que decideix fer canvis a la seva vida: canviar de casa i ciutat, trobar una bona feina, gaudir dels moments i ampliar la família.

John Grogan (Owen Wilson) veu com enfrontar-se a tots aquests desafiaments pot tenir un final negre, sobretot criar a un nen, per això decideix regalar-li un gos a la seva dona Jenny (Jennifer Aniston), per començar a practicar fer-se càrrec al cent per cent d’un altre ésser.

El director David Frankel, que també ha dirigit El diable vesteix de Prada, ha aconseguit que el "personatge principal", que és un gos, no faci ombra a altres temes rellevants de la vida de la parella. El ritme és interessant i no es fa avorrit; i la fotografia està aconseguida.

Wilson i Aniston fan la seva feina i es guanyen el públic amb la seva estratègia còmica i carinyosa i amb uns personatges totalment estereotipats. Tot i que la pel·lícula no té res d’especial, fa que tots els membres de la família puguin gaudir una bona estona d’una pel·lícula agradable amb moralina final.

A més a més la pel·lícula segueix l’última línia de moda: films amb gossos, ja que fa pocs mesos sortiren Un Chiwawa a Beverly Hills i Hotel per a gossos.

• EL MILLOR: Es gaudeix de la presència d’un gos molt simpàtic.
• EL PITJOR: És una altra pel·lícula americana sense cap aportació especial.

per: Meritxell Monje

Extreu les pròpies conclusions

El cicle "Documental + Debat" ens portava el passat dijous 12 de març al CaixaFòrum de Tarragona la projecció Useless (Jia Zhang-Ke, Xina, 2007). Useless és un documental no narratiu que fa un retrat de la Xina actual i els forts processos de canvi en què es troba immersa. La pel·lícula és la segona d'una trilogia, que va començar amb Dong (2006) –protagonitzada pel pintor Liu Xiaodong– i es clourà amb un film sobre un arquitecte.

En aquesta entrega, el fil conductor és Ma Ke, una dissenyadora de moda que pretén fer prendes amb un valor afegit –és a dir, roba de qualitat però inspirada en la Xina, sense necessitat d'importar-la d'altres nuclis productors– en una societat tan utilitarista com la xinesa. Ma Ke pertany a una classe emergent creadora, sorgida de la febre cultural que prové de les universitats arran dels fets de 1989.

La pel·lícula està dividida en tres parts: la primera part mostra els treballadors del tèxtil xinès, és a dir de la producció industrial i en sèrie; la segona és on seguim a Ma Ke en el seu treball; i en la tercera veiem la situació del tèxtil en els vestits d'una societat rural, empobrida: la minera. Aquestes tres peces que conformen el film no estan enllaçades; és a dir, l'ordre no respon a una narrativa sinó a una necessària successió d'imatges, fins arribar al final, que ens mostra els miners despullats –l'absència de roba– a les dutxes. És l'espectador el qui ha de fer l'exercici de relacionar, contraposar o negar les diferents imatges que se li van presentant, és a dir, qui ha de fer el darrer muntatge del film. Per tant, no és un reportatge denúncia sobre la situació crítica de la Xina, sinó una visió pròpia i oberta a que cadascú extregui les pròpies conclusions.

Un altre dels enginys de la pel·lícula és com el director ha volgut mostrar les contradiccions de la classe artista. Per exemple, Ma Ke s'inspira en els procediments artesanals per a confeccionar les seves peces, com a reivindicació; en canvi acaba venent-les a París, on veiem que les presenta.

L'absència de narrativitat se supleix amb molts jocs de llenguatge i la complicitat de l'espectador. A través de decisions estètiques concretes –músiques, so ambient, seguiment de personatges...– el director ens orienta per aquesta particular visió de la Xina moderna.

Per concloure: Useless no és una pel·lícula mastegada, per anar a passar l'estona –això es fa palès veient la quantitat de desercions que hi va haver durant la seva projecció al CaixaFòrum–; al contrari, és un exercici que requereix una reacció i una interacció amb el receptor, a la qual potser no estem acostumats. Per això és d'agrair una programació com la de "laCaixa" que permeti al públic acostar-se a aquest cinema, no només amb les projeccions sinó amb les explicacions posteriors.

per: Xavier J. Triguero

Diario de una ninfómana

Diario de una ninfómana es una película basada en el libro de la escritora Valérie Tasso, por lo que podemos anticipar que no se trata de una película normal, sinó de un film visto desde el punto de vista de la sexualidad femenina. Pero ¿puede un director transmitir esa mirada?

El relato nos cuenta las vivencias de una mujer que, desde que descubrió el sexo, su vida gira entorno a ello. Para ella es su mejor forma de expresarse y prioriza el sexo a la búsqueda del amor y la estabilidad, como ella dice: “prefiero que me den un buen polvo,y yo ya le regalaré las flores a él”. Esta mirada es bastante rompedora, podríamos decir que la película muestra una forma de performatividad, puesto que rompe el orden y la ley patriarcal al llevar ella las las riendas del sexo y no se muestra como ser pasivo y protegido del hombre. Por contra, si la actitud de la protagonista se caracteriza de dominante, en las escenas de sexo, hay una tendencia a exhibirla un tanto sumisa, puesto que predominan los planos donde ella esta debajo o se deja llevar por el hombre. Sólo hay dos escenas en las que ella lleve realmente las riendas: en su primera vez y con una relación en la calle con un desconocido.

La puesta en escena está muy cuidada y a la vez nos muestra una serie de analogías. Es así como la casa de la protagonista, Val, sufre una serie de cambios a lo largo de su camino personal. Empieza con una casa que desprende sexo y pasión por todos los lados: colores vivos, rojos, lilas, sábanas de seda y satén, toda una bomba explosiva que acompaña a nuestro personaje en sus momentos más íntimos. Cuando encuentra el amor y vive en el regazo de su amado, el mobiliario sufre un cambio, diríamos una “masculinización” con colores de gradación más marronosa y beige. En su profunda depresión la casa se tiñe de oscuridad, los muebles estan tirados y todo parece realmente tétrico. Por último, al encontrar su autoestima, encuentra la serenidad, las ventanas se abren, la luz entra, todo parece vivo y lleno de energía. Realmente un muy buen trabajo con la decoración. También hay que destacar el juego de espejos con los que nos deleitan en muchos de los planos que dan dinamismo y a la vez le dan un toque de misticismo.

Un pequeño guiño a Eva, la eva del pecado y del sexo, son las manzanas que se come Val en los momentos en que tiene la líbido bien subida. Podríamos decir que si Eva tuviera una forma, seria la de nuestra Val, “pecando” cada vez que se come una manzana u otras cosas.

La película, a parte de ser el punto de vista de una ninfómana, es un manifiesto a la libertad sexual de la mujer. Ella es la protagonista, la narradora, la dueña de sus actos y errores, lleva la iniciativa y aprende a conocerse a sí misma.

Realmente un buen trabajo para un director masculino que ha sabido plasmar notablemente la experiencia de ser mujer y ser sexual, pero no hay que esconder que tuvo la ayuda de la guionista Cuca Canals.

por: Nur Ortega

Sexo, drogas y... RocknRolla

La gente pregunta ¿Qué es RocknRolla? Y yo les digo que no tiene nada que ver con thrillers, mafias ni películas convencionales, no no. Es mucho más que eso amigo mío. A todos nos gusta una buena película: a unos lo narrativo, a otros la estética, a otros lo cómico, el ritmo o el guión. Pero RocknRolla es diferente... ¿Por qué? Porque una película como RocknRolla tiene el pack completo.

Y es que la ultima película de Guy Ritchie supone un punto de inflexión en su carrera, dando una vuelta de 180 grados para volver a su exitoso origen. El estilo que le dio fama está empaquetado en esta cinta llena de autohomenajes y referencias a sus dos primeros trabajos, ambos impactaron de lleno en las películas de culto. Durante sus dos horas el director se explaya usando y exprimiendo aquellas características que hacían de Lock & Stock y de Snatch dos películas gamberras, irreverentes y rompedoras. Y es por ello que su principal defecto es una cierta falta de frescura, de innovación; en algunas ocasiones supone un deja vú.

Sin embargo consigue suplir esta carencia a través de un guión muy trabajado que consigue un abanico de situaciones y personajes muy variado y definido. Todos ellos son caricaturas de algún tópico al que se le da una nueva vuelta de tuerca, desde el capo mafioso que aquí se transforma en una rata cobarde hasta el rockero que vive en un mundo de decadencia y aquí reivindica su cultura y muestra ambigüedad. Todos ellos definidos desde su estereotipo con apenas un par de lineas de diálogo –no es que se puedan permitir más tiempo dada la cantidad de historias paralelas y personajes–, tras las que se destruye ese modelo para conseguir que todo resulte más cercano e imprevisible, más humano.

Para llevar adelante los roles el plantel de actores está muy bien seleccionado. Tom Wilkinson interpreta con un cinismo exagerado al capo de una mafia inmobiliaria; Gerard Butler sigue mostrando sus dotes con el papel de mayor protagonismo, no es que cree un personaje tridimensional pero es convincente, y el reto del reparto es excelente dentro de las posibilidades que les brindaban sus roles. Resulta encomiable la tarea de todos ellos, excepto Thandie Newton (la única mujer del reparto) que consigue una frívola femme fatale que no va más allá de lo ya visto en cualquier otra producción. Puede ser un pequeño error de guión ya que su papel en el desarrollo de la historia es importante.

El mayor logro de Ritchie esta vez ha sido el ritmo que ha conseguido imprimir en la película. Mientras las dos nombradas joyas de su filmografía cuentan con un arranque sin fuelle en el que se toma mucho tiempo para definir todo aquello que luego se transformará en el hilo argumental basado en el accidentalismo extremo. El montaje está muy bien trabajado y hace uso de toda clase de recursos para conseguir ese ritmo endiablado desde el mismo inicio de la película, en el que hay por montaje y capacidad narrativa una verdadera declaración de intenciones, parecen explicarte que es un rocknrolla, en realidad te cuentan que va a ser RocknRolla. Además después de unos créditos muy dinámicos te ofrece en solo diez minutos los principales ingredientes que harán de esta una receta explosiva. Su único fallo es que la densidad provocada por tantas situaciones y personajes se cobran parte de ese intencionado ritmo y lo merman en la ultima parte, cuando el clímax debería conseguir aumentarlo, aunque los últimos minutos de la película lo suplen; así como el sorprendente final.

En cuanto a estética esta película trabaja con unos planos muy cuidados, cada uno de ellos hace gala de la fantástica fotografía que ilumina con una mezcla entre el claroscuro y una suave naturalidad los rostros algo duros y las decrépitas localizaciones. La cámara se aprovecha de ello, inquieta y curiosa se fija en todos los puntos posibles desde los que rodar con solvencia y además resuelve con eficiencia cualquier falta de ritmo interno. Si la acción no es dinámica no importa ya que el punto de vista siempre lo es. Si careciera de ello el ritmo de cortes del montaje aprovecha la banda sonora para desmarcarse.

Como comentario final, alabar la naturaleza a medio camino entre el CAMP y el cine negro que rodea la cinta que se acompaña por un pequeño inserto de la homosexualidad. Es agradable y fresco encontrar una película que solo use el tópico como gag y que se salté todo lo demás para meter al personaje gay en medio de un mundo usualmente impensable dada la imagen que da el cine del colectivo. Puede que el tiempo con Madonna a pesar de ser nulamente fructífero puede tener algo positivo.

por: Joaquim Navarro

Les velles estrelles encara brillen

Fa poc ha aparegut a les sales una estrella que molts creien desapareguda. M'estic referint a l'actor Mickey Rourke, i a la seva aparició a la pel·lícula The Wrestler, on interpreta un lluitador brillant i reconegut en altres temps, però que acaba enfonsat en la misèria i convertit en un record del que havia estat. Molta gent troba paral·lelismes entre la història que narra la pel·lícula i la propia vida de l'actor. I és que a la història del cinema hi ha molts actors i actrius que han desaparegut darrera la seva estela de glòria. El que és més estrany, i com ha passat en aquest cas, es que tornin a aparèixer amb força a les pantalles (ja sigui la gran pantalla o la de la caixa tonta). Així, i tal com ha fet l'actor de Nueve semanas y media, William Shatner va reaparèixer fa un temps a les nostres televisions. Aquest actor, més conegut com el Capità Kirk de la nau interestelar Enterprise, s'ha reencarnat en el món televisiu en un advocat a Boston.

A Boston Legal, Shatner interpreta a un important advocat que, curiosament, també s'està convertint en el vestigi del que una vegada havia estat. Aquesta ficció ens mostra la vida diària (que no monòtona) d'un dels bufets d'advocats més importants de Boston, on el personatge de Shatner n'és soci fundador. L'acció es centra en certs casos del bufet i, sobretot, en dos personatges: Denny Crane, l'advocat interpretat per Shatner; i Alan Shore, nou advocat al bufet que utilitza mètodes poc comuns i que manté una gran i alhora curiosa amistat amb el primer. El carisma d'aquests dos personatges resideix en la particularitat dels seus caràcters i en el seu comportament als jutjats. És en aquest escenari on es produirà gran part de l'acció, i on es mostra amb més claredat el potencial dels guions.

Els temes tractats tampoc acostumen a ser comuns (o si ho són sempre tenen alguna característica molt particular). Això també ho aprofiten els guionistes per explotar i tractar temes actuals i polèmics, i per ser irreverents i políticament incorrectes. Per això, poques de les icones o símbols de la societat que passen per aquesta ficció són respectades: ens trobem des d'un cura denunciat repetidament per assetjar sexualment a noies de bon veure, fins a un Santa Claus travesti, passant per una Annie gorda i negre (personatge que prové d'un musical, i gran símbol de la cultura nord-americana). Aquest intent de trencar esquemes i remoure en els racons més foscos i bruts de la cultura d'Estats Units no només es fa gràcies als temes abordats, sinó que l'actitud dels personatges és un recurs més utilitzat per a aquesta funció.
La fauna de Crane, Poole & Schmidt és molt diversa. En aquesta jungla legal ens trobem personatges molt tridimensionals, que no es paren de qüestionar la seva feina com a advocats, i que pateixen contínuament les contradiccions que el xoc entre la legalitat i la moralitat produeix. A més a més, mentre uns personatges trenquen les fronteres de la legalitat per aconseguir el que creuen correcte (com Alan Shore), altres imposen la estructura legal a les seves creences (com el soci senior del bufet Paul Lewiston).

Si parlem de la part formal de la sèrie veiem que s'ajusta molt a les situacions i a l'acció que té lloc en cada moment. I com que els fets durant tots els capitols s'acostumen a succeir de manera ràpida i dinàmica, predominen molt els moviments de càmera i els zooms. Així doncs, els poc plans fixes que hi ha es reserven a les parts on l'acció és més lenta (parts que no abunden). En canvi, trobem que durant la resta del temps predominen moltes panoràmiques i barridos, els quals també s'utilitzen molt per seguir als personatges per l'escena i per enmarcar conversacions entre diversos personatges, dirigint així la mirada cap a qui parla en cada moment. També tenen protagonisme els zooms in, sobretot en moments on es vol donar tensió. A part, s'ha de destacar que durant molts dels moviments de càmera (panoràmiques, travellings...) i fins i tot durant alguns plans fixes sembla que es tracti de càmera en mà o de stady cam, provocant una sensació de dinamisme o inestabilitat. Tot plegat, doncs, acompanya a una acció ja de per si ràpida i continua.

Es podria dir, per acabar, que Boston legal és una sèrie dinàmica i hilarant, amb una visió cínica i bastant negre de la societat d'Estats Units i que busca certa reacció en el públic (a part de la diversió simple i corrent de mirar la sèrie). Capitanejada per una estrella que s'havia donat per perduda, Boston Legal és una mostra més de producció nord-americana de qualitat que, agradi més o menys, té certes qualitats que no es poden amagar.

per: Jordi Arnau

De la ingènua a l'autora del best-seller

A la seva xerrada L'arquetip de la ingènua el dilluns, 16 de març del 2009, Vicente Benet, professor de la Universitat Jaume I i autor de diversos llibres sobre el cinema, va oferir una petita visió del món cinematogràfic, centrant-se en la figura de la dona ingènua i la seva història, des de pintura i literatura de segles passats, fins a la seva aparició i desaparició al cinema.

La ingènua és un personatge femení, jove, dolç i popular que apareixia a retrats tan coneguts com ara La gerra trencada de Jean Baptiste Greuze, l'exemple bàsic que va posar Benet. Aquí podem veure una nena, aparentment sense cap erotisme que no sigui el pit destapat. Benet, però, va explicar els petits detalls eròtics del quadre que ens podien donar informació més enllà del que es veu clarament, com per exemple, la mateixa gerra trencada, que pot fer referència a una possible pèrdua de la virginitat. Un element molt enfocat per Benet durant la xerrada és l'enfrontament entre la virtut i el desig sexual de les noies, la perversió, el vici. Un enfrontament que troba en el cinema un suport perfecte per desenvolupar encara més aquesta dualitat.

La dona ingènua va ser, des de poc després del naixement del cinema, una peça clau a les pel·lícules. Eren noies amb aspecte infantil, com una nina, però on sovint es podia detectar una forta càrrega eròtica. A la xerrada, Benet presentà diversos exemples d'aquesta càrrega eròtica i el contrast entre vici i virtut, l'actitud juvenil i l'evolució cap a una dona adulta a pel·lícules com ara El Mago de Oz, on les sabates vermelles de Dorothy podrien arribar a simbolitzar la sang, el trencament de l'himen i, per tant, la pèrdua de la virginitat. Per tant, fins i tot a les figures més innocents, trobem la relació amb l'erotisme i la perversió. Característiques claus pel melodrama, on el personatge femení ingenu sovint resultava ser la víctima dels homes. L'exemple de Benet en aquest cas va ser un fragment de The Birth of a Nation de Griffith, on la noia és perseguida per l'home negre que vol violar-la. Al final del fragment es pot tornar a observar l'enfrontament entre vici i virtut, quan la noia es suïcida per salvar la seva innocència.

Un altre aspecte molt important és l'evolució de la ingènua. Després de la segona Guerra Mundial i amb la integració de la dona en el món laboral, la imatge de la noia innocent amb el seu erotisme evoluciona dràsticament cap a una dona desinteressada o, fins i tot, frígida, que primer ha de ser seduïda per l'home. Als anys 60 encara es juga amb la ingenuïtat dels personatges femenins i és just la seva càrrega eròtica el que les fa tan atractives. Exemples d'aquest tipus de dona serien Marilyn Monroe i Doris Day. També apareix la figura de la dona que utilitza les seves armes sexuals per aconseguir el que vol.

La informació que va oferir Benet a la conferència fa reflexionar més sobre el paper de la dona al llarg de la història cinematogràfica. Va explicar l'evolució de les dones que apareixen als quadres de segles anteriors fins als personatges femenins dels anys 60. Encara amb un aspecte semblant, però amb caràcters molt canviats. Va ser una xerrada molt aclaridora i interessant però força monòtona. Si Vicente Benet hagués explicat els fets sense seguir les pautes estrictes dels seus fulls, tot hauria quedat molt més natural i (encara més) emocionant. Sense tenir en compte aquest petit detall, però, es pot dir que la conferència sobre el paper de la ingènua va quedar realment completa.

Pel que fa a la projecció després de la xerrada, cal dir que la pel·lícula Abajo el Amor (Down with Love) de Peyton Reed és una típica comèdia americana que invita a passar una estona en plena mucositat de la dolçor que desprenen els actors Renée Zellweger i Ewan McGregor. Juntament amb els colors pastels presents, sobretot, al vestuari de Zellweger, formen un gran pastís dolç fàcil de digerir. És a dir: una pel·lícula de tardes de caps de setmana.

Cal subratllar que l'anterior xerrada de Vicente Benet sobre l'arquetip de la ingènua, subratlla perfectament la pel·lícula. És obvi que el paper de Zellweger fa referència a l'estrella dels anys 60 Doris Day i també la pel·lícula en sí podria ser una obra extreta del cinema de llavors, cosa que es pot considerar molt correcta si tenim en compte que es tracta d'un homenatge a les grans comèdies romàntiques de mitjans del segle passat. Si trobem la connexió entre Abajo el Amor i aquestes pel·lícules, també podem relacionar l'evolució de la protagonista amb la de la ingènua descrita per Benet cap a una dona més independent i ja no tan innocent.

A Abajo el Amor, la protagonista, Barbara Novak (Zellweger) arriba a la Nova York dels anys 60 per publicar el seu primer llibre. La lectura titulada Abajo el Amor, un manual que ajuda a les dones a emancipar-se mitjançant l'absència d'amor, es converteix en best-seller. Això crida l'atenció d'un periodista, el Don Juan Catcher Block (McGregor), qui, per demostrar que ni tan sols l'autora del llibre pot viure sense amor, intenta enamorar-la.

L'actuació és adequada, tenint en compte que ens trobem davant d'una comèdia romàntica feta per entretenir. Es pot dir que Zellweger està interpretant un paper a la seva mida. La gràcia de la pel·lícula i de la seva relació amb la xerrada anterior, és que es canvien els rols i el que acaba tenint el paper d'ingenu és McGregor.

En general, Abajo el Amor no és una obra mestra, però sí una comèdia molt agradable gràcies al seu humor que no para mai de jugar amb els clixés, l'absurditat, l'erotisme directe i indirecte i la gràcia que comporta la integració de la dona en el món del treball. Fins i tot sense saber que Doris Day i Marilyn Monroe devien part de la seva atractivitat a la imatge de la ingènua i sense conèixer les relacions entre abans i ara, Abajo el Amor pot resultar molt divertida.

per: Kat Launert

El punto y final de Urgencias

El próximo 2 de abril las urgencias (Emergency Room) del County General de Chicago cerrarán sus puertas. Anoten esta fecha en sus calendarios porque es el día elegido por la NBC para emitir el último capítulo de la mítica serie ER, más conocida en España como Urgencias. Después de 14 años en antena apenas falta una semana para conocer el final de las historias que quedan por contar.

Desde su debut, el 19 de septiembre de 1994, adaptada de una idea original de Michael Crichton para una película que nunca se rodó, los doctores de Urgencias se fueron ganando un hueco que ha llenado 15 temporadas, un total de 331 episodios llenos de grandes momentos para recordar pero también de pequeñas situaciones cotidianas que permitían al espectador ver un reflejo de sus propios problemas, tanto de salud como personales. A través de ese día a día se ha ido construyendo una enorme realidad, pero por muy larga que sea toda historia tiene su final, y tanto los guionistas como la audiencia han decidido que ya es hora de cerrar las puertas las urgencias definitivamente.

A pesar de que en su debut arrasó con las audiencias, a partir de la décima y undécima temporada las agujas del medidor caen en picado y pasan de señalar los brillantes primeros puestos de la parrilla a quedarse modestamente más allá de la 30º posición.

Viendo estas cifras puede parecer que el final pasará desapercibido, pero los productivos de la serie se han guardado unos cuantos ases en la manga para evitar que eso ocurra. Esos ases llevan el nombre de los actores que aparecieron en el elenco principal de Urgencias en sus inicios, empezando por el espectacular George Clooney, que no ha olvidado dónde nació su carrera, y que dará vida al popular doctor Ross por última vez. A él se unen Sherry Stringfield (doctora Susan Lewis), Gloria Reuben (ATS Jenie Boulet), Kellie Martin (estudiante de medicina Lucy Knight), Eriq La Salle (doctor Peter Benton), Anthony Edwards (doctor Mark Green), Paul McCrane (doctor Robert Romano), Maria Bello (doctora Ana del Amico), Erik Palladino (doctor Dave Malucci), Alex Kingston (doctora Elizabeth Corday), Ming-Na (doctora Jing-Mei), Noah Wyle (doctor John Carter) y Laura Innes (doctora Kerry Weaver).

Tan seguros están los productores de esta baza que incluso han decidido triplicar el precio de la publicidad para este último episodio: de los habituales 135.000 dólares por spot, pasan a los 425.000 por 30 segundos en su apoteósico final.

Así pues, echando un vistazo al pasado y a los que fueron los inicios de la serie durante un par de horas diremos adiós a los pioneros que allanaron el camino a la multitud de series médicas que nos rodean a día de hoy. "And in the end" será el título que cerrará definitivamente las puertas del County General, el hospital de Chicago más concurrido por el público.

por: Anna Rubio

El límite de la publicidad

La publicidad tiene tanto tiempo, tanto como queramos que esta forme parte de nuestra historia, ya que desde los inicios de la humanidad ha estado presente. Y con todo esto, la evolución de la publicidad ha sido cada vez más notable llevado de la mano con el estilo del arte de cada época. El día de hoy viendo el televisor vi el nuevo sistema publicitario de Coca Cola, “SÉ FELIZ” es el copy que utilizan ahora, sin duda uno de los productos a nivel mundial más vendidos y por lo tanto conocidos, sin embargo en España específicamente ha disminuido un poco en sus ventas, es esa una de las razones de la realización de este comercial, además claro, de la renovación para el mantenimiento del posicionamiento de la marca, para esto Coca Cola ha encargado a la agencia de publicidad McCann el cargo de la publicidad. El video es una historia real por lo tanto es protagonizado por personas que no son actores; Joseph Mascaro, un anciano de 102 años, que viaja a Madrid para conocer a Aitana, una bebé que va a nacer en Madrid y que mas allá de ser muy buena en su dirección de arte, lo cual no voy a discutir, es bastante emotiva, demasiado quizás, para venderte un producto el cual con la trayectoria que tiene de causar daños en nuestro organismo, al medio ambiente y muchas cosas más. ¡¡Vamos!!, jugar con las sensaciones de las personas para venderte un producto, creo que fue lo mejor después de tanto tiempo es una buena forma de llegar a las personas. No hay cosas que destaquen lo negativo del video, sólo el tiempo que a pesar de ser corto en publicidad lo más indicado es que dure menos al menos 1 minuto estaría bien pero esos 30 segundos podrían salir bastante caros, pero Coca Cola lo puede y más, y también las escenas subliminales del uso de la Coca Cola, en el brindis de ancianos, en la maquina de sodas. Pero no los culpo por intentarlo, después de todo, la historia no va tan de la mano con el producto y esas decisiones generalmente las toman los de Coca Cola.

Aquí esta la pagina donde ver el video y el dialogo:
"Esta historia es real. En estos tiempos difíciles reunimos al hombre más viejo al bebé más joven.Hola Aitana. Me llamo Joseph Mascaró y tengo 102 años. Soy un “suertudo”.Suerte por haber nacido como tuSuerte por poder abrazar a mi mujerSuerte por haber conocido a mis amigosSuerte por haberme despedido de ellosSuerte por seguir aquíTe preguntarás cuál es la razón de venir a conocerte hoy y es que muchos te dirán a quién se le ocurre llegar en los tiempos que corren: que hay crisis, que no se puede, …Esto te hará fuerte.Yo viví momentos peores que este pero al final de lo único que te vas acordar es de las cosas buenas.No te entretengas en tonterías, que las hay, y vete a buscar lo que te haga feliz que el tiempo corre muy deprisa.He vivido 102 años y te aseguro que lo único que no te va a gustar de la vida es que es demasiado corta."

por: Hugo Fco. Caro